- Ground/work 2025 presenta proyectos site-responsive creados por reconocidos artistas internacionales Yō Akiyama, Laura Ellen Bacon, Aboubakar Fofana, Hugh Hayden, Milena Naef y Javier Senosiain
Williamstown, Massachusetts—El Clark Art Institute anuncia su segunda exposición de esculturas al aire libre, Ground/work 2025, que se inaugurará en el verano de 2025. Ubicada a lo largo de los senderos boscosos y los prados abiertos del distintivo campus de 140 acres de Clark, la exposición incluye instalaciones recién comisionadas y específicas para el sitio por seis destacados artistas contemporáneos.
Comisariada por el historiador de arte independiente Glenn Adamson, Ground/work 2025 presenta una gama dinámica de presentaciones al aire libre de los artistas internacionales Yō Akiyama, Laura Ellen Bacon, Aboubakar Fofana, Hugh Hayden, Milena Naef y Javier Senosiain que responden al entorno único de Clark al tiempo que expresan ideas fundamentales para la práctica individual de cada artista. Al igual que la obra inaugural , que se inauguró en el verano de 2020, las instalaciones permanecerán a la vista durante más de un año, lo que permitirá a los visitantes encontrarse con las obras de día o de noche y a lo largo de las estaciones, experimentándolas de nuevo a medida que cambian el paisaje y las condiciones climáticas. Ground/work 2025 cierra en octubre de 2026.
«Cuando consideramos por primera vez hacer nuestra exposición inicial de Ground/work , siempre esperamos que la respuesta del público inspirara futuras iteraciones del proyecto», dijo Olivier Meslay, director de Hardymon del Clark. «La aceptación entusiasta de este concepto fue inmediata e intensa cuando inauguramos la exposición en 2020 y el interés y el entusiasmo del público por otro proyecto de Ground/work ha sido constante. Esperamos ansiosamente la oportunidad de dar vida a esta nueva presentación y experimentar nuestros terrenos a través de los ojos de esta nueva cohorte de artistas. Glenn Adamson, nuestro curador invitado, ha invitado a artistas cuyo trabajo será particularmente sensible al entorno natural aquí en el Clark y estamos seguros de que nuestros visitantes estarán encantados con las obras de arte que se planean».
Glenn Adamson es un curador, autor e historiador del arte estadounidense cuyo trabajo se centra en las intersecciones del arte, el diseño y la artesanía contemporáneos, que él define como «fabricación experta, a escala humana».
«La monumentalidad de este proyecto, y su gama global de artistas, definitivamente lo convierten en un hito en la presentación institucional de la artesanía», dice Adamson. «Al mismo tiempo, me encanta su accesibilidad radical, el hecho de que puede ser visto por cualquier persona, de forma gratuita, en cualquier momento del día. Imagínese a un grupo de niños caminando por el bosque y de repente se encuentra con una de estas enormes esculturas, una presencia extraña y hermosa en un claro, y luego aprende cómo se hizo. ¿Qué tan mágico es eso?»
SOBRE LA EXPOSICIÓN
La reverencia por la naturaleza y el deseo de animar aún más los senderos, pastos y bosques circundantes inspiraron Ground/work, la primera exposición al aire libre de Clark en 2020. Sobre la base de una historia de colaboración con artistas contemporáneos, Clark encargó a Kelly Akashi, Nairy Baghramian, Jennie C. Jones, Eva LeWitt, Analia Saban y Haegue Yang la creación de nuevas obras de arte en diálogo activo con el entorno específico de Clark.
Esta segunda iteración, Ground/work 2025, presenta obras especialmente encargadas ubicadas en todo el recinto y el paisaje. Para la exposición de 2025, la atención se centra en las concepciones globales de la artesanía: los medios por los que los artistas transforman el mundo que les rodea.
En la historia del arte eurocéntrico, durante mucho tiempo se ha aceptado trazar una línea firme entre la artesanía y las bellas artes. En muchas partes del mundo, sin embargo, no existe distinción; Más bien, hay un dominio holístico de creación y significado. Al examinar la artesanía a través de culturas y prácticas, Ground/work 2025 tiene como objetivo trascender la pregunta binaria: «¿Es arte o es artesanía?» —y en su lugar destacar la artesanía como motor de expresión artística.
La exposición pone en primer plano la diversidad internacional de la artesanía, con una serie de artistas que reflexionan críticamente sobre las tradiciones que informan su habilidad en la fabricación. Los seis artistas participantes representan una diversidad geográfica, material, étnica, de género y generacional, y cada uno posee una práctica artesanal intensiva, así como una relación informada y dinámica con las tradiciones nacionales o regionales, ejemplificando la forma en que las tradiciones artesanales pueden reinventarse para generar formas y significados contemporáneos.
Ground/work 2025 está organizada por el Clark Art Institute y comisariada por el curador independiente Glenn Adamson.
Ground/work 2025 es posible gracias a Denise Littlefield Sobel. La mayor parte de la financiación es proporcionada por el Fondo Edward y Maureen Fennessy Bousa para Proyectos Contemporáneos, Karen y Robert Scott, y el Fondo de Arte VIA, con el apoyo adicional del Fondo Girlfriend y el Fondo Nacional para las Artes.
PROYECTOS ARTÍSTICOS GROUND/WORK 2025
Yō Akiyama es uno de los ceramistas más respetados de Japón. Para Ground/work 2025, creará una gran escultura de gres al aire libre en forma de cono invertido, de aproximadamente trece pies de altura. Después de la cocción, el cuerpo de arcilla de color marrón oscuro se incrusta con polvo de hierro, que adquiere una rica pátina de óxido rojo intenso con el tiempo. Anclada al suelo y alcanzando el cielo, la escultura pretende interactuar visualmente con los árboles cercanos, que extienden sus raíces a medida que extienden sus ramas y hojas.
Utilizando una práctica que evoca por igual la fabricación de cestas y la construcción de nidos de pájaros, Laura Ellen Bacon creará una escultura gigantesca, de aproximadamente nueve pies de largo y cinco pies de alto, que rodeará un árbol en los bosques de Clark a lo largo de un sendero recreativo. Utilizando sauce procedente de Ohio y creando su trabajo íntegramente in situ y a la vista del público, Bacon tejerá capas superpuestas para construir una forma orgánica que crece a partir de la rica composición del suelo del bosque. Debido a que su escultura estará hecha completamente de materiales naturales, se biodegradará después de la conclusión de la exposición Ground/work 2025 .
Aboubakar Fofana explora los colorantes naturales, particularmente el índigo, como portadores de la abstracción contemporánea y el conocimiento ancestral. Fofana creará un «árbol de la vida» para la exposición. Inspirado en su creencia espiritual en la divinidad de la naturaleza, rollos de algodón africano teñidos de índigo, que representan semillas, se colocarán dentro de una estructura metálica ramificada que protegerá estos elementos textiles a lo largo de las cuatro estaciones de la instalación. Se trata de la primera escultura pública de Fofana.
La práctica de Hugh Hayden es materialmente diversa, pero quizás sea más conocido por sus trabajos en madera recuperada, con ramas naturales que sobresalen preservadas. Para Ground/work 2025, Hayden creará una enorme caja torácica invertida a partir de árboles de cicuta cosechados en un bosque cerca del campus de Clark. La forma esquelética sugiere un remanente de la vida de algún gigante (su raza no se puede identificar a partir de los huesos). La escultura se situará dentro de los bosques de Clark, lo que le proporcionará un camuflaje parcial y tocará temas ecológicos de extinción y cambio climático. Tras el transcurso de la exposición, la obra se dejará descomponer, volviendo al bosque de donde proviene.
Nacida en el seno de un linaje de talladores de piedra, Milena Naef se inserta literalmente en la historia de artesanía de su familia, tratando las losas de mármol macizo como un medio de autorretrato poético. Para la exposición, Naef esculpirá dos piezas de mármol contiguas con espacios negativos para un árbol caído en el pasto de Clark y para su propio cuerpo, este último un rastro sutil de su presencia fugaz. La obra se ubicará en el pasto de Clark. La obra se ubicará en el pasto de Clark, y el mármol para el proyecto proviene del valle de Suiza donde la familia de Naef ha trabajado durante mucho tiempo. Esta es su primera exposición en los Estados Unidos y un aumento considerable en escala con respecto a proyectos anteriores.
Javier Senosiain, el máximo exponente de la arquitectura orgánica en México, crea estructuras animadas en mosaico de vidrio policromado, arraigadas en la mitología mesoamericana pero que ejemplifican el poder de la imaginación pura. Ground/work 2025 es su primera obra pública encargada en los Estados Unidos. Senosiain creará un diseño serpentino de aproximadamente cuarenta pies de largo, quince pies de ancho y diecisiete pies de alto. Tres secciones separadas entrarán y saldrán del estanque Clark’s Schow, creando la ilusión de una serpiente de agua gigante, surgiendo de las profundidades invisibles del agua. Visible desde la zona de entrada al campus de Clark, la obra ofrece una sorprendente bienvenida a la exposición.
SOBRE LOS ARTISTAS
Yō Akiyama (nacido en 1953, Japón) ha pasado toda una vida explorando las propiedades físicas de la arcilla como material, creando obras escultóricas masivas que extienden la venerada tradición de la cerámica japonesa al lenguaje de la escultura basada en procesos, así como las mismas fuerzas geológicas a partir de las cuales se forma la arcilla en la tierra. Es profesor emérito y ex presidente del Departamento de Cerámica de la Universidad de las Artes de la Ciudad de Kioto, y su obra se encuentra en las colecciones permanentes de numerosos museos de Japón y Occidente, entre ellos el Museo Nacional de Arte de Osaka, Japón; Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio; Instituto de Arte de Minneapolis; Museo de Bellas Artes, Boston; Museo de Bellas Artes, Houston; Museo de Arte de Honolulu; Museo Internacional de Cerámica de Faenza, Faenza, Italia; y el Victoria & Albert Museum, Londres. En 2015, Akiyama ganó el prestigioso premio Lifetime Achievement Award de la Japan Ceramic Society.
Laura Ellen Bacon (nacida en 1976, Reino Unido) crea esculturas de sauce y piedra que aluden a hábitats de animales, como madrigueras o nidos. Entre sus exposiciones e instalaciones recientes se encuentran Natural (Re)Sources en el Ruthin Craft Centre (2023), Ruthin, Gales; Masa muscular en el Museo de la Vida Rural dentro de Normanby Hall (2023), Normanby, Inglaterra; y la Exposición de Verano de la Royal Society of Sculptors (2023), Londres. Sus exposiciones individuales recientes incluyen Rejuvenation en el Denver Art Museum (2024), Denver, Colorado y Every Fibre of My Being (Chaque Fibre de Mon Être) (2022), Abbaye de Maubuisson, Francia, Production Conseil départemental du Val-d’Oise. Burrow, la primera exposición individual de Bacon en Londres en mayo de 2024, fue presentada por la Hignell Gallery en la histórica Marquis House de St. James’s. Bacon fue finalista del Woman’s Hour Craft Prize en el Victoria and Albert Museum de Londres en 2017.
Aboubakar Fofana (nacido en 1967, Malí) ha revitalizado y redefinido las técnicas de teñido índigo de África Occidental. Su trabajo parte de una profunda creencia espiritual de que la naturaleza es divina y que, a través del respeto a esta divinidad, podemos comprender el inmenso y sagrado universo. Sus materias primas provienen del mundo natural, y su práctica de trabajo gira en torno a los ciclos de la naturaleza; los temas del nacimiento, la decadencia y el cambio; y la impermanencia de estos materiales. En conjunto con la comunidad local en Siby, Mali, Fofana cultiva dos tipos de índigo autóctono de África Occidental en lo que será la pieza central de un modelo de permacultura basado en alimentos, medicinas y plantas tintóreas locales. A través de este proyecto, espera contribuir al renacimiento del teñido índigo fermentado en Mali y más allá, el trabajo de su vida. Fofana se presentó en Documenta 14 en Atenas y Kassel, Alemania (2017).
Hugh Hayden (nacido en 1983, Estados Unidos de América) trabajó durante una década como arquitecto antes de convertirse en escultor a tiempo completo. Ha dicho que su arte «pide al espectador que examine su lugar dentro del ecosistema en constante cambio que es el sueño americano, un entorno que es a la vez seductor y amenazante». Sus exposiciones individuales recientes incluyen Huff and a Puff en el Parque y Museo de Esculturas deCordova (2023), Lincoln, Massachusetts; Brier Patch en el Madison Square Park Conservancy (2022), Nueva York; y Boogey Men en el Instituto de Arte Contemporáneo de Miami (2021). Su obra se encuentra en numerosas colecciones públicas, como el Museo de Arte de Baltimore, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, el Museo de Arte Pérez de Miami y el Studio Museum de Harlem.
Milena Naef (n.1990, Suiza) es una artista visual, nacida en el seno de una estirpe de picapedreros, que ha reinterpretado la tradición de su familia en obras basadas en la performance utilizando su cuerpo como un material más. A Naef le «fascina la idea de que nuestros cuerpos están en una constante ‘coreografía’ con su entorno». Entre sus exposiciones individuales y colectivas recientes se encuentran Plots and Pieces en DOCK, Basilea, Suiza (2023); Evitando el vacío en art@work (ti&m), Frankfurt, Alemania, Zúrich, Berna, Suiza (2022); MÁRMOL, Museo Kunsten de Arte Moderno, Aalborg, Dinamarca (2022); JUNGKUNST, Winterthur, Suiza (2021); y One eye and two takes on vulnerability con Matea Bakula en la Galería Lumen Travo, Ámsterdam (2020). Naef ha recibido el Premio Frans de Wit (2019), el Premio de Arte Sybren Hellinga (2016) y el Premio Gerrit Rietveld Academie en Arte Autónomo (2016).
Javier Senosiain (n.1948, México) es uno de los principales exponentes de la arquitectura orgánica, término acuñado por primera vez por Frank Lloyd Wright. Para Senosiain, esto significa una arquitectura que se asemeja más a las formaciones naturales que a las formas de los edificios tradicionales. Sus obras más conocidas son Casa Orgánica en Naucalpan, México, construida como residencia de su familia, y El Nido de Quetzalcóatl, un parque temático de arquitectura orgánica en Naucalpan, aún en construcción, construido con su característica técnica de mosaico, que a menudo utiliza baldosas de vidrio policromado. Recientemente ha participado en dos exposiciones colectivas: Everything Here is Volcanic en Friedman Benda (2023), Nueva York, y In Praise of Caves: Organic Architecture Projects from Mexico de Carlos Lazo, Mathias Goeritz, Juan O’Gorman y Javier Senosiain en The Noguchi Museum (2022), Queens, Nueva York. Senosiain es egresado de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde desde entonces se ha desempeñado como profesor de arquitectura.
ACERCA DE CLARK
El Clark Art Institute, ubicado en los Berkshires del oeste de Massachusetts, es una de las pocas instituciones a nivel mundial que es tanto un museo de arte como un centro de investigación, discusión crítica y educación superior en las artes visuales. Inaugurado en 1955, el Clark alberga excepcionales pinturas y esculturas europeas y americanas, extensas colecciones de grabados y dibujos maestros, plata inglesa y fotografía antigua. Actuando como convocante a través de su Programa Académico y de Investigación, el Clark reúne a una comunidad internacional de académicos para participar en un animado programa de conferencias, coloquios y talleres sobre temas de vital importancia para las artes visuales. La biblioteca Clark, que consta de unos 300.000 volúmenes, es una de las principales bibliotecas de historia del arte del país. El Clark también alberga y copatrocina el Programa de Graduados en Historia del Arte de Williams College.
The Clark, que tiene una calificación de tres estrellas en la Guía Verde Michelin, está ubicado en 225 South Street en Williamstown, Massachusetts. Su campus de 140 acres incluye millas de senderos para caminatas y caminatas a través de bosques y prados, lo que brinda una experiencia excepcional de arte en la naturaleza. Las galerías están abiertas de 10 a.m. a 5 p.m. de martes a domingo, de septiembre a junio, y todos los días en julio y agosto. La entrada es gratuita de enero a marzo y cuesta $ 20 de abril a diciembre; la entrada es gratuita durante todo el año para los miembros de Clark, todos los visitantes menores de 21 años y los estudiantes con una identificación de estudiante válida. La entrada gratuita también está disponible a través de varios programas, incluidos First Sundays Free; un programa de pases para la biblioteca local; y la Tarjeta EBT a la Cultura. Para obtener información sobre estos programas y más, visite clarkart.edu o llame al 413 458 2303.
