(Williamstown, Massachusetts) —El Clark Art Institute anuncia su programa de exposiciones para el verano de 2021 con un programa diverso de exposiciones que van desde el trabajo excepcional de uno de los artistas más venerados de Noruega hasta emocionantes proyectos contemporáneos. La temporada de verano de 2021 incluye la continuación de la primera exposición al aire libre de Clark, Ground / work , que presenta obras adaptadas al lugar creadas por seis artistas internacionales que trabajan en diálogo con el campus distintivo de 140 acres de Clark.

“Este será un verano emocionante en Clark, lleno de nuevos descubrimientos y maravillosas oportunidades para disfrutar del arte tanto en nuestras galerías como en nuestros terrenos”, dijo Olivier Meslay, director de Hardymon de Clark. “A partir de los fantásticos objetos creados por los escultores Claude y François-Xavier Lalanne a las animadas pinturas y grabados de Nikolai Astrup, presentaremos al público a artistas que pueden no estar familiarizados, pero cuyo trabajo seguramente atraerá e inspirará a nuevos admiradores. Nuestros proyectos contemporáneos, Ground / work y Erin Shirreff: Remainders , también brindan a nuestro público nuevas oportunidades para explorar el trabajo actual de algunos de los artistas más emocionantes que trabajan en la actualidad. Y completamos nuestras ofertas de verano con una mirada retrospectiva al trabajo magistral de Alberto Durero y su influencia perdurable en generaciones de artistas ”.

Las exposiciones de verano de Clark se abrirán en un horario escalonado, a partir de mayo de 2021. El programa incluye:

Claude y François-Xavier Lalanne: la naturaleza transformada
8 de mayo a 31 de octubre de 2021

Han pasado más de cuarenta años desde que un museo de arte estadounidense montó una presentación del trabajo de los escultores Claude y François-Xavier Lalanne, y la exposición de Clark de este verano ofrece una nueva perspectiva sobre estos artistas innovadores. Sus esculturas imaginativas y poderosas han deleitado durante mucho tiempo al público y a los coleccionistas internacionales. Durante sus notables carreras, los artistas casados ​​trabajaron y exhibieron juntos, a menudo bajo el nombre conjunto de “Les Lalanne”, aunque rara vez colaboraron en objetos.

Ambos artistas tenían en común su permanente interés por la naturaleza. Desde su primera exposición en 1964, titulada Zoophites , una referencia a objetos con una mezcla de características animales y vegetales, los artistas se inspiraron repetidamente en la flora y la fauna y transformaron estas formas naturales en algo extraño y nuevo. En sus obras, Claude Lalanne (1924-2019) transformó plantas y animales familiares en creaciones líricas y a veces surrealistas, mientras que François-Xavier Lalanne (1927-2008) convirtió su fascinación por la misteriosa vida interior de los animales en formas escultóricas abstractas y refinadas que a menudo oculta una función práctica. En la obra de Claude y François-Xavier Lalanne, la visión artística convierte las formas naturales en nuevos usos.

El Clark es el único lugar para esta exposición, que también marca la primera presentación en un museo del trabajo de los artistas desde la muerte de Claude Lalanne en 2019. Nature Transformed presenta un número igual de objetos de cada artista a lo largo de sus largas carreras, revelando el poder de su imaginación artística, su impresionante dominio de la técnica y su atractivo visual perdurable. Las obras incluyen esculturas y muebles de ambos artistas y una selección de cubiertos y joyas tremendamente inventivos de Claude Lalanne.

Nature Transformed , presentada en el pabellón Michael Conforti de Clark y en lugares al aire libre adicionales, está comisariada por Kathleen Morris, directora de exposiciones y curadora de artes decorativas de Clark’s Sylvia y Leonard Marx. La exposición va acompañada de un catálogo, publicado por Clark y distribuido por Yale University Press.

Denise Littlefield Sobel proporciona un apoyo importante para esta exposición. Sylvia y Leonard Marx y el Fondo Benéfico Kenneth C. Griffin proporcionan una financiación significativa, con el apoyo adicional de Agnes Gund y Robert D. Kraus. El catálogo de la exposición se ha publicado con el generoso apoyo de Denise Littlefield Sobel, con el apoyo adicional de Además: un programa del JM Kaplan Fund.

Nikolai Astrup: Visiones de Noruega
19 de junio a 19 de septiembre de 2021

The Clark presenta la primera exposición norteamericana centrada en el pintor noruego Nikolai Astrup (1880-1928), quien entrelazó hábilmente tradición e innovación en su producción artística. Astrup es considerado uno de los artistas más importantes de Noruega, sin embargo, es en gran parte desconocido fuera de su tierra natal. Nikolai Astrup: Visions of Norway presenta más de ochenta y cinco obras que celebran a este brillante pintor, grabador y horticultor.

La obra de Astrup se destaca por su paleta intensa y colorida, y el realismo mágico de sus notables paisajes. En la exposición se presentan pinturas y grabados en madera de todos los períodos de su carrera, incluidas múltiples impresiones de composiciones impresas que revelan cómo Astrup modificó el estado de ánimo y el significado de estas obras a través de cambios de color y la adición o eliminación de motivos, a menudo utilizando múltiples bloques para crea sus complejos estampados.

Después de entrenar en Kristiania (Oslo) y París, Astrup regresó a la casa de su infancia y continuó su carrera en la remota región del oeste de Noruega con vistas al lago Jølster. Finalmente, se instaló en una propiedad llamada Sandalstrand, situada al otro lado del lago donde fue criado. Allí creó una alquería que le sirvió de fuente de inspiración para sus propósitos artísticos, sostuvo a su familia y demostró ser una manifestación temprana de la conservación ecológica.

El paisaje sublime de la zona, la atmósfera distintiva y la luz etérea del verano cautivaron a Astrup, mientras que los recuerdos de su infancia, marcados por las tradiciones locales y el folclore noruego, moldearon profundamente su percepción del lugar. El trabajo de Astrup respondió y ayudó a dar forma a la identidad nacional emergente de Noruega. Creó un lenguaje visual distintivo que amplía las intenciones y logros del compositor Edvard Grieg (1843-1907) y el dramaturgo Henrik Ibsen (1828-1906) en la música y la literatura noruegas, respectivamente.

Invitado comisariado por la académica independiente MaryAnne Stevens, exdirectora de Asuntos Académicos de la Royal Academy, Londres, Nikolai Astrup: Visions of Norway se presenta en las galerías de exposiciones especiales de Clark y está acompañado por un catálogo publicado por Clark y distribuido por Yale University Press . La exposición viaja a los museos de arte KODE, Bergen, Noruega, del 15 de octubre de 2021 al 23 de enero de 2022 y al Prins Eugens Waldemarsudde, Estocolmo, del 19 de febrero al 29 de mayo de 2022.

Nikolai Astrup: Visiones de Noruega está organizado por el Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, en cooperación con KODE Art Museums and Composer Homes, Bergen, y la Savings Bank Foundation DNB , y Prince Eugen’s Waldemarsudde . La exposición ha contado con el generoso apoyo de la Fundación de Cajas de Ahorros DNB. Richard y Carol Seltzer y Diane y Andreas Halvorsen brindan soporte adicional. El catálogo de la exposición se ha publicado con el generoso apoyo de la Fundación de la Caja de Ahorros DNB, con el apoyo adicional de la Fundación Asbjorn Lunde.

Trabajo preparatorio
Abierto hasta el 17 de octubre de 2021

El primer terreno / trabajo de exposición al aire libre de Clark consiste en instalaciones adaptadas al sitio por seis artistas contemporáneos presentados en lugares a lo largo del entorno pastoral de su campus de 140 acres. Artistas internacionales Kelly Akashi (n. 1983, Los Ángeles), Nairy Baghramian (n. 1971, Isfahan, Irán), Jennie C. Jones (n. 1968, Cincinnati), Eva LeWitt (n. 1985, Spoleto, Italia), Analia Saban (n. 1980, Buenos Aires) y Haegue Yang (n. 1971, Seúl) fueron invitados a concebir una respuesta al paisaje de Clark ya estar en diálogo activo con el entorno natural y el entorno.

Derrumbando la jerarquía tradicional de la escultura en el paisaje, donde el objeto tiene prioridad sobre su sitio y contexto, Ground / work se centra en cambio en la naturaleza como sujeto, participante y materia prima. Los proyectos demuestran cómo la experiencia del espacio al aire libre puede ser desplazada y manipulada por fuerzas sólidas y efímeras. Los artistas de Ground / work investigan cuestiones de materialidad, escala, forma y función, expresando temas y motivos centrales en sus prácticas individuales mientras exploran un nuevo terreno conceptual y físico.

Ground / work destaca el paso del tiempo, poniendo en primer plano ideas de azar, fugacidad y transformación articuladas en tres dimensiones. Ofreciendo una intimidad de encuentro, cada uno de los artistas genera nuevos gestos escultóricos que involucran características del paisaje de Clark para difuminar, o enfocar, los límites entre lo familiar y lo desconocido.

Abierto al público día y noche, Ground / work proporciona un acceso único a las obras de arte más allá de las paredes del museo. Ampliando las conexiones entre el ecosistema de Stone Hill, la arquitectura de Clark, su reconocida colección permanente y la práctica artística contemporánea, esta exposición amplía el compromiso de Clark de crear un lugar donde los visitantes puedan experimentar obras de arte notables en un entorno de profunda belleza natural. .

Ground / work está organizado por el Clark Art Institute y comisariada por Molly Epstein y Abigail Ross Goodman.

La tierra / el trabajo es posible gracias a Denise Littlefield Sobel. Karen, Robert Scott y Paul Neely brindan un gran apoyo para Ground / work . La Fundación Terra para el Arte Americano proporciona fondos adicionales generosamente; la Fundación Nacional para las Humanidades: Explorando el esfuerzo humano; Maureen Fennessy Bousa y Edward P. Bousa; Amy y Charlie Scharf; Elizabeth Lee; MASA MoCA; Chrystina y James Parks; Howard M. Shapiro y Shirley Brandman; Joan y Jim Hunter; James y Barbara Moltz; y un regalo en honor a Marilyn y Ron Walter.

Durero y después
17 de julio a 3 de octubre de 2021

A partir de su amplia colección de obras de Alberto Durero (1471-1528), Clark ofrece una oportunidad única para evaluar su legado artístico de siglos en esta exposición. Reverenciado por su virtuosismo técnico, profunda imaginación pictórica y vasta producción en todos los medios, Durero fue uno de los primeros artistas europeos cuyas impresiones obtuvieron reconocimiento como arte. El audaz monograma de AD que adorna gran parte de su trabajo afirma no solo la elaboración de una matriz imprimible, sino también la autoría de una idea pictórica, «como la que,» dijo, «nunca antes había visto ni pensado en nadie». otro hombre.»

Hasta bien entrado el siglo XV, el grabado en Europa no se consideraba una forma de arte, sino un método utilitario para reproducir y hacer circular imágenes. Eso comenzó a cambiar debido a la prolífica, versátil y técnicamente deslumbrante obra impresa de Durero. Durero ha atraído durante mucho tiempo a todo tipo de imitadores, copistas e intérpretes. Las obras acreditadas como «después de Durero», que abarcan desde copias estrictas hasta interpretaciones libres, reflejan una variedad de motivos. Mientras que muchos imitadores copiaron con el espíritu de aprender o rendir homenaje a su brillante arte, otros buscaron engañar o beneficiarse sembrando confusión en torno a la verdadera autoría de una imagen. En esta exposición, presentada en la Galería de obras sobre papel Eugene V. Thaw, los originales y las copias se agrupan para revelar la compleja vida futura de algunas de las imágenes más famosas de Durero.

Esta exposición está organizada por el Clark Art Institute y comisariada por Anne Leonard, curadora de impresiones, dibujos y fotografías de Manton .

Erin Shirreff: Restos
Abierto hasta el 2 de enero de 2022

Esta exposición de un año destaca el trabajo de la artista contemporánea Erin Shirreff (canadiense, n. 1975) y su fascinación por la creación de mitos detrás de la historia del arte a través de una práctica que abarca los medios analógicos y digitales, dos y tres dimensiones, e imágenes fijas y en movimiento.

La exposición presenta fotografías, grabados y video. En estas obras, Shirreff manipula objetos que ha construido así como fotografías de esculturas encontradas en libros de arte, transformando obras con lentes de cámara y proceso de impresión. A través de estos experimentos, Shirreff pregunta qué queda de la experiencia original de una obra de arte una vez que ha entrado en el registro histórico y qué rastros del trabajo de un artista podrían ser legibles después del hecho. La exposición incluye fotografías en papel y aluminio que han sido plegadas y cortadas, para tomar dimensiones escultóricas, así como el trabajo en video del artista, con fotografías de las formas de yeso vertido de color grafito del artista cosidas para crear una imagen perfecta que se desplaza. lentamente a través de la pantalla.

Erin Shirreff nació en Kelowna, Columbia Británica, y vive y trabaja en Montreal. Formada como escultora, con un MFA de la Universidad de Yale, trabaja constantemente entre la fotografía, la escultura y el video para explorar la relación entre los objetos y sus representaciones. Su trabajo ha sido objeto recientemente de exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderno de San Francisco; Kunsthalle Basel; y el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston y la Galería Albright-Knox. Shirreff está representada por Sikkema Jenkins & Co., Nueva York y Bradley Ertaskiran, Montreal.

The Clark ha destacado las obras de artistas contemporáneos a través de exposiciones especiales durante más de cuarenta años. La exposición de Shirreff marca la segunda instalación de un año en los espacios públicos de Clark comisariada por Robert Wiesenberger, curador asociado de proyectos contemporáneos, como parte de una serie en curso. Esta exposición gratuita está a la vista en los espacios públicos del Centro Lower Clark y la Sala de Lectura del Centro de Investigación Manton.

ACERCA DE CLARK

El Clark Art Institute, ubicado en Berkshires en el oeste de Massachusetts, es una de las pocas instituciones a nivel mundial que es tanto un museo de arte como un centro de investigación, discusión crítica y educación superior en artes visuales. Inaugurado en 1955, el Clark alberga excepcionales pinturas y esculturas europeas y americanas, extensas colecciones de grabados y dibujos maestros, plata inglesa y fotografía antigua. Actuando como convocante a través de su Programa Académico y de Investigación, Clark reúne a una comunidad internacional de académicos para participar en un animado programa de conferencias, coloquios y talleres sobre temas de vital importancia para las artes visuales. La biblioteca Clark, que consta de más de 275.000 volúmenes, es una de las principales bibliotecas de historia del arte del país. The Clark también alberga y copatrocina el Programa de Graduados de Williams College en Historia del Arte.

El Clark, que tiene una calificación de tres estrellas en la Guía Verde Michelin, se encuentra en 225 South Street en Williamstown, Massachusetts. Su campus de 140 acres incluye millas de senderos para caminar y caminar a través de bosques y prados, brindando una experiencia excepcional de arte en la naturaleza. Las galerías están abiertas de martes a domingo, de 10 a. M. A 5 p. M. Se requieren boletos con tiempo anticipado. La entrada cuesta $ 20; gratis durante todo el año para miembros de Clark, niños de 18 años o menos y estudiantes con identificación válida. La entrada gratuita está disponible a través de varios programas, incluidos First Sundays Free; un programa de pases de biblioteca local; y Tarjeta EBT para Cultura. Para obtener más información sobre estos programas y más, visite clarkart.edu o llame al clarkart.edu 2303.